"アートかビーフンか白厨 (Paichu)", el restaurante taiwanés y galería de arte en Roppongi producido por The Chain Museum, celebra la exposición colectiva titulada "Why, and How?" desde el viernes 4 de septiembre hasta el sábado 10 de octubre de 2026. La muestra reúne a tres artistas —Aiko Yamamoto, Ai Degaito y Akihiro Hsegawa— y las obras expuestas están disponibles para su compra exclusivamente a través de ArtSticker. Se ha programado una recepción de apertura para el viernes 4 de septiembre, de 19:00 a 22:00 horas.
Sobre la exposición
Aiko Yamamoto recurre al trabajo de campo realizado en Asia y otros lugares para explorar la relación entre el entorno natural y las personas, trabajando principalmente con técnicas de teñido.
Ai Degaito quema materiales que guardan distintos grados de cercanía con las personas —residuos domésticos, cenizas de cremación y objetos personales anónimos— y los refina hasta convertirlos en un esmalte hecho puramente de sus propias cenizas. Al extraer un color único de las diferencias en la composición metálica de cada material, registra los rastros de la existencia y la memoria del cambio como color.
La obra de Akihiro Hsegawa refleja una perspectiva moldeada por el pensamiento budista, cuestionando las visiones sobre la vida y la muerte y la naturaleza misma de la existencia humana. Atraído desde niño por la "luz", tanto visual como filosóficamente, canaliza esa experiencia formativa directamente en su trabajo.
La exposición considera el color desde dos ángulos simultáneamente: el "porqué" detrás de la motivación para crear y el "cómo" del proceso que le da forma.
Declaración de la exposición: "Why, and How?"
El color, como fenómeno visual, es el rastro de causa y efecto que surge donde se cruzan los materiales, el entorno, la técnica y el pensamiento. Hoy en día, las personas se encuentran con una enorme gama de colores a diario a través de pantallas y tecnología de impresión. Sin embargo, el color siempre ha estado vinculado a materiales y procesos específicos, cultivados a través de las tecnologías y prácticas sociales de cada época. Los colores utilizados en la escultura y la arquitectura budistas, también, fueron sostenidos no solo por la creencia y la visión del mundo, sino por las técnicas y el trabajo que los hicieron posibles.
Esta exposición reconsidera el color desde ambos ángulos: el "porqué" de la motivación y el "cómo" del proceso que lo genera. En las técnicas de larga tradición del teñido y la fabricación de esmaltes, el color emerge de los materiales y procesos. Al mismo tiempo, detrás de ese surgimiento se encuentra la manera en que cada artista se relaciona con el mundo: visiones de la naturaleza, fe, memoria y relaciones con los demás. El color es un fenómeno que surge de la relación que el creador forma con el mundo. A través de estas tres prácticas, la exposición cuestiona el pensamiento y los métodos detrás de esa elección.
Perfiles de los artistas
Aiko Yamamoto, obra de referencia, 《あわいのはた − 円と星屑》, 2021
Aiko Yamamoto
Nacida en 1991 en la prefectura de Kanagawa. Completó el programa de posgrado en el Departamento de Arte Intermedia en la Universidad de las Artes de Tokio (2017). Se formó en China como investigadora becaria de la Fundación Pola Art (2019). A través de trabajo de campo en Asia y el extranjero, crea obras —utilizando principalmente técnicas de teñido— con la temática de la relación entre el entorno natural y las personas. Entre sus principales exposiciones destacan 「こたえは風に吹かれている」(Museo de Arte Contemporáneo Echigo-Tsumari Satoyama, MonET / Niigata, 2025), 「往古来今／見えない泉をさまよいさがす」(Museo de Arte de Yokosuka / Kanagawa, 2024), 「Fragrance Scenery」(SHIRO Jiyugaoka / Tokio, 2022) y 「BankART Under 35」(BankART KAIKO / Kanagawa, 2021).
Ai Degaito, obra de referencia, 《鏡》, 2026
Ai Degaito
Nacida en el pueblo de Asuka, prefectura de Nara. Creció en una región salpicada de antiguos yacimientos de hornos y sitios de excavación de cerámica del periodo Jomon, donde la cerámica formaba parte del entorno cotidiano, lo que la llevó a estudiar termoquímica de materiales, química aplicada y cerámica en la universidad.
Mientras investigaba regiones productoras de cerámica en todo Japón, obtuvo conocimientos técnicos pero también fue testigo de volúmenes enormes de cerámica desechada.
Esa experiencia la llevó a tomar, como su tema central, dar a los objetos la opción de dejar o no un rastro de su existencia. Mezcla materiales que guardan diferentes grados de cercanía con las personas —plantas, huesos, residuos domésticos y objetos personales— utilizando solo las cenizas del material mismo, refinándolas hasta convertirlas en esmalte. Persigue un "archivo" que fije la memoria de un material como color y textura.
Entre sus principales exposiciones se incluyen la muestra colectiva 「battery」(2026, KANAKAWANISHI, Tokio), 「BankARTアライブ！展 推薦枠」(2025, BankART Station, Kanagawa) y la exposición individual 「誠実な記憶、釉薬」(2025, Suzusan Galerie Raum, Aichi). En los últimos años, también ha trabajado en proyectos colaborativos con empresas centrados en esmaltes y materiales.
Akihiro Hsegawa, obra de referencia, 《untitled》, 2024
Akihiro Hsegawa
Nacido en 1997 en la prefectura de Mie. Es un artista contemporáneo actualmente radicado en Tokio.
Nacido en un templo de la secta Tendai, fue ordenado monje en 2009 y completó el entrenamiento Shido Kegyo en el templo Saikyo-ji de la secta Tendai Shinsei en 2019. En 2016, ingresó al Departamento de Diseño de la Universidad de las Artes de Tokio directamente desde la escuela secundaria, y en 2024 completó el programa de maestría en Diseño en la Escuela de Graduados en Bellas Artes de la universidad.
La obra de Hasegawa adopta una visión panorámica de la emoción, el pensamiento, el cuerpo y la existencia de la vida misma, revelando una postura distintiva arraigada en el pensamiento budista que subyace en su práctica, y cuestionando las visiones sobre la vida y la muerte y la naturaleza de la existencia humana. Atraído desde niño por la "luz", tanto visual como filosóficamente, canaliza esa experiencia formativa directamente en su trabajo.
Seleccionado como becario de la quinta promoción de la Fundación Kuma, expuso en "KUMA EXHIBITION 2022" y realizó su primera exposición individual, 「よもぎとコンプ」(√K Contemporary, Tokio), el mismo año. Desde entonces, ha participado en numerosas exposiciones, incluidas "Meet Your Art Festival 2023, 'Time to Change'", "VOCA Ten 2025" (Museo Real de Ueno), la exposición de la marca de alta joyería Chaumet "THE ART OF COLOUR" (Tokio, 2025) y la exposición colectiva 「再生と未来」, comisariada por Miwa Kutsuna (Museo Curador ASTER, Kanazawa, 2025). En 2024, realizó una exposición individual a gran escala, 「長谷川彰宏展」, en √K Contemporary (Tokio), y ese mismo año presentó la exposición individual 「無量光」 en N&A Art SITE (Tokio) como la sexta entrega de la serie Nanjo Selection. En 2025, expuso en la Fuji Textile Week 2025, celebrada en la ciudad de Fujiyoshida (Director: Fumio Nanjo; Comisario: 丹原健翔).
Información
"Why, and How?"
Fechas: Del 4 de septiembre (viernes) al 10 de octubre (sábado) de 2026
※ Recepción: viernes 4 de septiembre, de 19:00 a 22:00 horas
Artistas: Aiko Yamamoto, Ai Degaito, Akihiro Hsegawa
Horario: Mar–Vie 17:00–23:00; Sáb 13:00–23:00; Dom 13:00–17:00
Cerrado: Lunes (por favor, consulte el calendario de Instagram de la galería antes de visitar)
Admisión: Gratuita
Lugar: アートかビーフンか白厨 (Paichu)
Dirección: 2F Edificio Asahi Life Roppongi, 5-2-4 Roppongi, Minato-ku, Tokio 106-0032 (tome las escaleras en el lado izquierdo del ascensor al segundo piso)
Acceso: A 4 minutos a pie de la estación de Roppongi (línea Hibiya); a 7 minutos a pie de la estación de Roppongi (línea Oedo); a 13 minutos a pie de la estación de Nogizaka (línea Chiyoda); a 13 minutos a pie de la estación de Roppongi-itchome (línea Namboku)
Teléfono: 03-6434-9367
Organizador: ArtSticker (operado por The Chain Museum)
Página de la exposición: https://artsticker.app/events/149492
Sobre アートかビーフンか白厨 (Paichu)
Producido por The Chain Museum —la empresa detrás de ArtSticker—, Paichu es una galería de arte donde los visitantes también pueden disfrutar de la cocina taiwanesa. Ubicado en un edificio de uso mixto programado para la reurbanización, el lugar alberga nuevos proyectos de arte cada mes. Fiel a su nombre "アートかビーフンか (¿Arte o fideos de arroz?)", los invitados son bienvenidos a ver obras de arte en el espacio de la galería o disfrutar de una comida en el área del comedor, o incluso ambas cosas a la vez, copa en mano. El nombre "白厨 (Paichu)" es un término acuñado que combina el respeto y la admiración por el formato de galería "cubo blanco" con la calidez y el confort de una cocina.
Instagram: https://www.instagram.com/paichu_artsticker/
